Le pionnier du synthétiseur revient sur son spectaculaire concert de 2024, Live in Bratislava, et sur sa vision de l’avenir du spectacle vivant. Article de Music Radar, interview par Danny Turner.
Soixante ans plus tard, Jean-Michel Jarre reste déterminé à réécrire l’histoire de la musique électronique. Depuis 1972, son nom est synonyme d’innovation : son troisième album, Oxygène, s’est vendu à 18 millions d’exemplaires, marquant ainsi le début de la révolution synthétiseur des années 1970.
Des premiers synthétiseurs modulaires à l’essor de l’enregistrement numérique – et maintenant de l’intelligence artificielle – la fascination de Jarre pour la technologie se poursuit sans relâche, reliant l’avant-garde et le courant dominant à travers des albums visionnaires et des performances live.
Ce mois-ci, l’innovateur apparemment intemporel dévoile Live in Bratislava , capturant son spectaculaire concert en plein air Bridge from the Future, organisé en Slovaquie en mai 2024. Attirant plus de 100 000 spectateurs sur les rives du Danube, et des millions d’autres se joignant à lui via une diffusion mondiale, il a été décrit comme la production live la plus ambitieuse de Jarre à ce jour.
Le spectacle a transformé le pont UFO de Bratislava en une scène futuriste encadrée par deux tours de 30 mètres, avec lasers, feux d’artifice, un ballet de 400 drones et une narration visuelle avant-gardiste. Et comme si cela ne suffisait pas, le concert a été marqué par une collaboration historique avec le guitariste de Queen , Sir Brian May, ainsi que par l’Orchestre philharmonique et le chœur slovaques.
MusicRadar : Quelles circonstances vous ont poussé à réaliser ce spectacle unique et spectaculaire à Bratislava en 2024 ?
Jean-Michel Jarre : «C’était lié à une collaboration que j’entretiens depuis plusieurs années avec une organisation appelée Starmus, financée et initiée par Stephen Hawking. Nous sommes maintenant financés par l’astrophysicien Garik Israelian et Brian May, que nous connaissons tous comme musicien, mais qui est aussi astrophysicien.»
Nous avons toujours pensé qu’il serait intéressant de lancer ce rassemblement annuel de scientifiques, de musiciens et d’entrepreneurs privés du monde entier de manière spectaculaire, afin de réfléchir à notre société et de transmettre certaines valeurs liées aux sciences, à l’art et à la culture. La technologie et la science ont toujours fait partie de ma vie d’artiste, il me semblait donc logique de m’impliquer dans ce type de projet.
MR : Vous avez évidemment réalisé de grands spectacles dans le passé, mais dans quelle mesure diriez-vous que Bratislava était votre plus ambitieux ?
JMJ : « Au début de ma carrière, le réalisateur italien Federico Fellini m’a dit quelque chose de très pertinent : “À chaque fois que je faisais un film, je le trouvais toujours totalement différent du précédent, mais avec le recul, j’ai toujours fait le même.” Ce qu’il voulait dire par là, c’est que, que vous soyez Tarantino ou Kubrick, les cinéastes nous disent toujours la même chose et chaque film est une déclaration de leur style.
En tant qu’artistes, nous sommes obsédés par la recherche de perfectionnement et j’ai toujours été intéressé par la musique électronique impliquant scénographie et éléments visuels. J’ai été l’un des premiers à intégrer des éléments visuels aux bâtiments et j’ai repris cette expression car il est toujours intéressant de découvrir comment je peux repousser les limites de la technologie actuelle.
Ces dernières années, je me suis beaucoup intéressé à l’IA d’un point de vue visuel et je l’ai utilisée pour concevoir toute la scénographie du projet. L’IA offre des outils permettant de réaliser des choses qui auraient été impossibles il y a 10 ou 15 ans, et Bratislava en est un bon exemple, avec de nombreux techniciens visuels talentueux impliqués dans l’IA, les lasers et la vidéo.
MR : Le concert s’intitule « Pont du futur ». Quel est le lien avec le spectacle en termes de narration visuelle et de chorégraphie ?
JMJ : « Dès le départ, l’idée était de rendre la performance pertinente pour le lancement du festival Starmus – dont le premier cycle était basé sur Stephen Hawking et notre relation de la Terre vis-à-vis de l’espace, mais l’idée de cette deuxième partie était d’inverser cela.
« Nous ne connaissons pas l’avenir, mais nos rêves ou nos concepts ésotériques sont probablement la réalité de demain, et à travers l’art, la musique et la science, j’aime l’idée d’essayer de créer un pont entre le futur et le présent en utilisant des éléments qui, par définition, nous pensons qu’ils existeront. »
MR : Vous êtes connu pour vos one-man shows, mais cette fois, vous avez d’autres musiciens sur scène. Est-ce pour réduire votre dépendance à la technologie ?
JMJ : « Je passe constamment d’un groupe à un concept de musique électronique avec des séquences d’accompagnement, mais il m’arrive de mélanger les deux. Comme l’échelle de la mise en scène était assez ambitieuse et que nous étions en plein cœur de Bratislava, une sorte de mégalopole, j’ai pensé qu’il serait judicieux d’introduire des musiciens comme Brian May et de créer un groupe, pas seulement avec de la batterie, des synthétiseurs et des guitares, mais aussi des éléments classiques comme des chœurs et du trombone pour créer un impact épique. »
MR : Qu’est-ce qui vous a poussé à choisir le synthétiseur modulaire GRP A4 comme clavier principal pour le spectacle ?
JMJ : « Au final, nous sommes des animaux analogiques vivant à l’ère du numérique, alors j’aime utiliser un mélange de vieux matériel analogique et numérique. Bien sûr, le violon est beaucoup plus ancien, mais on ne le qualifie pas de « vieux » car c’est un instrument intemporel. »
Pour moi, le Moog Modular et le GRP italien sont des instruments géniaux et intemporels, et c’est très intéressant de les mélanger avec des outils d’IA ou des interfaces purement numériques. C’est ce qui compte aujourd’hui : parfois on conduit une voiture électrique, parfois on fait du vélo. En tant que musicien, j’adore gérer ces oxymores.
MR : On a aussi remarqué que vous utilisiez un EMS VCS 3 sur scène. Est-ce parce que vous vouliez reproduire fidèlement les sons de vos enregistrements originaux ?
JMJ : « Oui, mais il y a aussi un côté fétichiste, car l’utiliser sur scène est presque devenu un rituel. Le VCS 3 est mon premier synthétiseur, je suis donc devenu superstitieux et je veux l’intégrer à tout ce que je fais, mais c’est aussi l’occasion d’utiliser des effets sonores fous lors des transitions ou d’inspirer ma palette de couleurs. »
MR : Quelles autres technologies ont été essentielles à vos performances live ?
JMJ : « J’utilise beaucoup une nouvelle interface numérique française, l’ Embodme Erae Touch. C’est une sorte de tablette en forme d’iPad, mais légèrement plus grande et plus épaisse. C’est un contrôleur tactile, mais il fonctionne avec les données tactiles X, Y et Z plutôt que seulement X et Y, et on peut en modifier la vélocité, ce qui offre beaucoup plus de possibilités de jeu et de performance. J’ai quatre ou cinq ères qui contrôlent beaucoup de choses différentes comme le volume et les effets sonores, mais elles peuvent aussi déclencher des séquences, c’est donc une partie assez importante de ma configuration d’équipement. »
MR : Quel est cet appareil circulaire que vous tapotiez également de temps en temps ?
JMJ : « C’est un Roland HandSonic, un appareil de percussion électronique. On peut déclencher jusqu’à 16 sons différents par morceau, en passant d’une piste à l’autre par MIDI. La plupart du temps, je m’en tiens aux 16 sons que j’ai programmés pour le spectacle, ce qui me permet de vraiment jouer avec, un peu comme un batteur. »
MR : Imaginez que nous prenions un classique de Jarre comme Oxygène 2. Allez-vous le remodeler pour qu’il reste intéressant pour vous autant que pour le public ?
JMJ : « C’est une question très intéressante. L’année prochaine, je fais une tournée mondiale et nous jouerons au Royaume-Uni, en France et aux États-Unis, mais j’ai récemment fait une série de concerts où nous pouvions modifier un morceau comme Oxygène 2 à chaque fois pour l’adapter à une salle. »
Par exemple, à Bratislava, j’ai pensé qu’il serait intéressant de créer une longue intro pour Oxygene 2 aux côtés de la jeune interprète, compositrice et productrice britannique Adiescar Chase. Nous avons créé une sorte de duo où je jouais de la flûte électronique en dialogue avec son violon électrique. J’essaie donc de conserver la structure de la chanson tout en modifiant certains éléments ou instruments pour maintenir l’enthousiasme.
MR : La performance de Brian May était extraordinaire. Avez-vous répété ensemble ou improvise-t-il au pied levé ?
JMJ : « On a beaucoup travaillé ensemble avant le concert. C’est bien sûr un musicien extraordinaire et talentueux, mais aussi un scientifique et un être humain hors du commun, et on a beaucoup réfléchi à son implication. Dès le début, Brian a dit : « OK, c’est ton show et je vais être un invité pour essayer de m’intégrer à ton projet. » Ce qui a été un gros effort, car jouer avec des arrangements entièrement électroniques et s’intégrer à un projet est un monde différent de Queen, où il a toujours le contrôle total du concept sur scène. »
Je trouve le résultat incroyable et nous avons vraiment sympathisé, même si nous étions confrontés à de nombreux aspects techniques. Par exemple, avec la musique électronique, nous avons l’habitude d’utiliser des écouteurs intra-auriculaires, ce qui me permet d’être plus précis, mais en tant que guitariste de rock pur et dur, Brian ne peut pas concevoir de les utiliser.
Il joue toujours avec des wedges, mais je trouve qu’avoir trois gros amplis et des wedges partout sur scène, c’est un vrai cauchemar [rires]. On a donc dû tous les deux essayer de survivre à des concepts de monitoring totalement différents, mais on a créé quelque chose d’assez unique, et j’espère que les gens le ressentiront au final.
MR : Y a-t-il d’autres artistes avec lesquels vous auriez souhaité jouer en live ?
JMJ : « C’est juste une question de disponibilité. J’ai été vraiment impressionné par ma collaboration avec Pete Townshend il y a quelques années sur mon projet Electronica. C’est un très bon exemple de quelqu’un qui appartient à l’histoire du rock tout en étant très attentif aux nouvelles technologies. Il a d’ailleurs été l’un des premiers musiciens à introduire l’électronique dans le rock, c’est donc un autre pionnier avec qui je serais ravi de collaborer un jour. »
MR : Quels autres défis techniques avez-vous dû relever pour un concert d’une telle ampleur ?
JMJ : « Comme nous jouions en extérieur, nous devions dépendre de la pluie et du vent, installer des micros live pour les instruments acoustiques et le chœur, des amplis pour les guitares électriques et une sortie ligne directe pour les claviers électroniques, ce qui a créé de nombreux défis techniques. De plus, comme nous filmions le spectacle, il y avait des problèmes techniques liés au timecode, aux fréquences radio et à la transmission. »
MR : Et vous avez eu beaucoup de feux d’artifice aussi…
JMJ : « C’est exact, et nous avions aussi des drones qui apparaissaient en arrière-plan, comme éléments de la scénographie – non pas comme décor, mais comme une matrice parfaitement synchronisée avec le rythme et la musique. J’ai aussi rencontré une entreprise exceptionnelle, KVANT, spécialisée dans les lasers. Ils sont originaires de Bratislava, et c’était donc agréable de travailler avec des techniciens locaux chargés des projections laser sur les bâtiments. »
MR : Vous avez également intégré une vidéo d’Edward Snowden pour le morceau Exit, qui évoque la confidentialité et la manière dont les informations sont stockées numériquement. Avec l’essor de l’IA, est-ce une préoccupation encore plus grande pour vous ?
JMJ : « J’ai composé ce morceau en collaboration avec Edward car j’étais vraiment impressionné par son courage et je le considère comme un héros moderne. Il m’a fait penser à ma mère, une figure importante de la Résistance française, qui m’a toujours appris qu’à chaque fois qu’un régime ou une idéologie gouvernementale risque d’affecter la communauté, il faut s’y opposer. »
Je savais aussi qu’Edward était un grand fan de musique électronique, alors je suis allé à Moscou pour discuter avec lui, l’enregistrer et le filmer pour ce morceau. Il a trouvé le titre Exit pour des raisons évidentes, et j’ai trouvé pertinent de jouer ce morceau à Bratislava pour parler du lien entre la technologie et son impact sur nous, citoyens.
MR : Il y a quelques années, vous avez discuté avec Sony CSL du développement d’un logiciel algorithmique basé sur l’IA. Cela a-t-il abouti ?
JMJ : « Je suis toujours en contact avec Sony CSL, mais je dois dire qu’il reste encore beaucoup à faire concernant l’IA et la musique en termes de droits d’auteur. Il est tout à fait compréhensible que l’industrie considère l’IA, ou l’utilisation d’algorithmes, comme une menace potentielle, mais je pense que ce serait une grave erreur de réduire la relation à un seul point de vue juridique. »
« Bien sûr, nous devons établir des règles car le système est utilisé pour récolter notre contenu et sans cela, un algorithme devrait récolter le dictionnaire, donc la valeur de ces entreprises dépend entièrement de notre contenu. »
MR : Pouvez-vous envisager un système qui crée une relation plus équitable entre les musiciens et ceux qui cherchent à monétiser le contenu récolté ?
JMJ : « Je pense que le système classique du droit d’auteur et du droit d’auteur ne peut s’appliquer à la nouvelle relation que nous aurons avec l’IA. Pour une fois, nous devrions accepter que la communauté artistique et créative ait sa part du gâteau numérique.
Nous sommes des partenaires commerciaux et devrions cesser de quémander des droits et d’exiger de ces entreprises un système de redevances, car cela ne correspond pas à la philosophie des algorithmes. Les algorithmes d’IA actuels ne savent même pas ce qu’ils récoltent.
Tous ces jeunes développeurs adorent le cinéma et la musique, ils ne sont donc pas contre nous, mais si nous voulons parvenir à un accord, nous devons parler le même langage. Nous devrions également cesser d’adopter une approche pseudo-libertarienne consistant à prétendre que les règles affectent et affaiblissent les libertés, alors que c’est exactement l’inverse. Nous devrions établir des règles, car seul le permis de conduire nous permet de conduire en toute sécurité. Cela dit, l’IA est un outil fantastique – même si j’avais l’habitude de dire qu’elle devrait plutôt signifier « imagination augmentée » que « intelligence artificielle ».
MR : Avez-vous rencontré des problèmes de droits d’auteur liés à l’IA lors de vos premières relations avec Sony CSL ?
JMJ : « Quand j’ai commencé à travailler avec Sony CSL, j’étais confronté à des mathématiciens et à des scientifiques purs et j’étais un peu déçu au début de discuter avec des gens qui ignoraient des éléments très importants de la musique : le groove et l’incertitude. On ne peut pas réduire la composition musicale à des chiffres ; cela va au-delà. Je ne parle pas de Sony CSL en particulier, mais c’est toujours un problème aujourd’hui. »
Pour mon prochain projet, je me prépare à travailler avec un iPhone pour essayer de créer un dialogue avec un algorithme qui me permettrait de l’aborder de manière intuitive et créative. Pour l’instant, je l’utilise davantage d’un point de vue visuel, mais ce n’est pas quelque chose créé par l’IA. J’ai tout créé avec l’IA, et le résultat est celui que je souhaitais obtenir. J’utilise donc la même approche de l’IA que celle d’un synthétiseur.
MR : Dans 100 ans, pensez-vous que les gens verront un Jean-Michel Jarre IA se produire « en direct » sur scène ?
JMJ : « Je ne suis pas encore prêt pour la cryogénie, mais je vois ce que tu veux dire. Comme je l’ai dit, nous sommes des animaux analogiques faits de chair et de sang, et l’IA sera un outil fantastique, mais il s’agit toujours de savoir ce que l’on peut faire en Occident avec 12 notes. Ce qui rend Miles Davis, Billie Eilish ou Mozart uniques, c’est que la musique vient d’eux, une spécificité que l’IA ne peut remplacer.
Nous ne devons jamais oublier que l’IA exploite le passé et détecte les styles, mais je suis sûr qu’elle va générer le nouveau bepop, le rock and roll, la techno et de nouveaux genres et formes d’art, et c’est assez excitant. »
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