Ce mois-ci aerozone vous propose la traduction française de l’interview de Resident Advisor. Elle comporte pas mal d’infos sur la compilation Infiné by JMJ, l’académie de musique électronique que Jarre compte créer à Londres, ainsi que les nouveaux albums à venir : Aaron Coultate de Resident Advisor parle à l’artiste français emblématique de synthés vintage, de techno vaporisé et la peur de l’avenir de la société.
Jean Michel Jarre est bavard sur la musique qu’il a écouté dernièrement: Actress, Fuck Buttons, Zomby … Ce n’est pas la playlist ordinaire d’un homme de 64 ans, mais Jarre n’a jamais vraiment fait dans la demi-mesure. Sa présence a plané sur la musique électronique depuis près de quatre décennies. Le Français a étudié sous la direction du géniteur de la musique concrète, Pierre Schaeffer, l’un des pionniers de la musique électronique-et sorti son album fondateur Oxygène en 1976, ce qui s’est avéré être le catalyseur d’une période prolongée de succès commercial et artistique tout au long des années 80 et 90. Sa carrière a été définie non seulement par ses réalisations elles-mêmes, mais aussi l’ampleur d’entre elles: à la Fête Nationale en 1979, il a joué devant un public d’un million à Paris, tandis que 100 autres millions à l’écoutait à la télévision. Près de deux décennies plus tard à Moscou il a joué devant une foule de 3,5 millions d’euros. Il a également vendu près de 80 millions d’albums (Oxygene s’est vendu à lui seul à plus de 18 millions d’exemplaires).
Jarre dépasse maintenant l’âge de la retraite française de quatre ans, mais il ne montre aucun signe de ralentissement. Il parle avec enthousiasme de deux nouveaux albums qu’il a en préparation. Son projet le plus récent, InFiné par JMJ , le vit fouiller dans le catalogue du label français et choisir ses 12 titres préférés pour une compilation. Il s’agit d’une affaire discrète, dans les normes de Jarre au moins. Dans la conversation, il est clairement enthousiasmé par le projet, discute ardemment des mérites de chacun de ses choix et explique ses racines communes avec l’ancien patron du label Agoria à Lyon. Nous avons appelé Jarre dans son studio pour discuter des origines de la compilation, ses intérêts musicaux actuels et ses ambitieux plans pour une académie de musique électronique dans l’Est de Londres.
Pouvez-vous me dire comment est née la compilation InFiné? C’est un concept qui a commencé dans ma ville natale. Comme moi, InFiné a ses racines à Lyon, et beaucoup d’artistes du label sont également de cette partie de la France. J’ai collaboré avec certains des artistes InFiné au festival Nuits Sonores à Lyon l’année dernière, et nous avons eu une soirée spéciale où certains d’entre eux revisité mon travail sur scène. Lorsque InFiné a décidé de célébrer leur dixième anniversaire avec une compilation, ils m’ont demandé si je voulais bien regarder dans leur catalogue et faire des sélections pour une compilation.
Comment avez-vous procédé pour la compiler?J’ai écouté beaucoup de morceaux différents, et ait essayé de construire une sorte de voyage, avec des chansons et des artistes qui s’intègrent bien ensemble. Comme la musique sur InFiné est assez varié-il y a des artistes de tous différents univers musical, il était important d’avoir une idée de la direction sur la compilation. Une sélection de ce genre est toujours subjective, [la sélection finale] ne se résume pas à quelle piste est meilleure que l’autre, c’est juste plus le reflet de mes propres goûts.
Dans quel sens ce projet s’est-il développé?L’une des raisons pour lesquelles InFiné est si important pour moi, c’est que beaucoup d’artistes sur le label ont été influencé par ma propre musique. Pour la compilation, j’ai choisi les pistes que je sentais proche de ma propre musique en quelque sorte. La première piste [Oxia de “Exaila”] pourrait presque être une sorte d’introduction à un de mes propres albums, c’est un petit morceau et je pense que cela ouvre bien la compilation. Ensuite, il y a Murcof avec “Como Quisiera decirte.” J’admire le travail de cet artiste depuis un certain temps, parfois il est très proche de la nature des choses que je faisais quand j’ai étudié avec Pierre Schaeffer au studio de musique concrète à Paris, quand nous faisions des expériences avec la conception sonore de jolies manières abstraites. Murcof a une approche de la musique que j’aime beaucoup, il mêle une approche expérimentale à la saveur latine. J’ai toujours été intéressé à essayer de intégrer l’ambiance bande originale espagnole ou italienne de gens comme Pedro Almodóvar ou Fellini dans ma musique. Je trouve “Como Quisiera decirte” tout à fait envoûtant. Il a une sensation mexicaine, mais il est encore définitivement électro. J’aime ce mélange, ce sentiment hybride entre deux mondes différents.
Quels autres artistes sur la compilation vous ont-ils attirés?Rone est l’un d’eux. Il a un son très intéressant. Le problème avec la musique électronique est que le plus souvent, vous écoutez une piste, et c’est intéressant, mais vous ne vous sentez pas qu’il appartient à quelqu’un en particulier, ou a un style particulier, même si c’est sympa et que vous l’aimez. Dans le cas de Rone, par exemple, ou Agoria, et quelques-uns des artistes les autres sur cette compilation, ils ont défini un univers sonore qui leur est propre. C’est rare de nos jours.
Pour parler de façon plus générale, quelles autres artistes contemporains écoutez-vous? Je suis à l’écoute beaucoup de musique différente. J’aime beaucoup le travail de Zomby, j’ai écouté beaucoup de ses morceaux au cours des deux dernières années. Et il y a Actress-j’ai apprécié son style de musique récemment. Ensuite, il y a plus d’artistes électroniques établis en France comme Air, Vitalic, M83, Justice ou Sébastien Tellier. En fait, je viens de terminer une session d’enregistrement avec Sébastien aujourd’hui, nous travaillons sur un morceau ensemble. J’aime aussi beaucoup Fuck Buttons. La première fois que j’ai écouté leur musique j’ai pensé: “Waouh, ils ont un son spécial et unique.” Je veux dire, ces gars-là construisent une sorte de mur du son en face de vous, un brouillard de l’audio, avec une sorte de beat techno perdu dans la fumée. C’est un son vaporisé. J’aime vraiment leur direction et leur EP Olympiens était très réussi.
Combien de temps passez-vous en studio chaque semaine? J’essaie de passer autant de temps que possible dans le studio, mais ce n’est jamais assez. Il y a toujours des choses à faire. Mon rêve est d’être comme un écrivain, et de passer quatre ou cinq heures par jour enfermé dans le studio, mais je ne peux pas vraiment faire cela, je ne sais pas pourquoi. Je suis un bourreau de travail par poussées-je vais aller en studio et j’y travaille pendant trois ou quatre jours et nuits, puis je vais arrêter, faire une pause et revenir à l’atelier d’une semaine ou deux plus tard. Donc, pour moi, c’est trois ou quatre jours de travail, puis trois ou quatre jours de congés.
J’ai lu dans une interview où vous avez dit que lorsque vous êtes dans le studio, vous vous sentez plus comme un «peintre qu’un producteur, mélangeant couleurs et lumières, et expérimentant les textures”. Est-ce que vous vous sentez toujours comme ça, même si vous n’êtes plus autant dans le studio qu’avant? Oui, plus que jamais. Je pense que c’est la beauté de la musique électronique. J’avais l’habitude de faire beaucoup de peinture quand j’étais étudiant, et j’ai même hésité entre une carrière dans la peinture ou la musique. Au fil des années, quand j’ai été confronté à des instruments électroniques, des oscillateurs et toutes ces sortes de machines étranges, il m’est apparu que le mélange des couleurs et des fréquences de mixage audio est en fait la même chose. Vous êtes un artisan, vous êtes un peintre, le mélange des couleurs et des textures. Pour moi, la musique électronique est très proche de la peinture abstraite, tout est question de textures, de formes, de couleurs et de contrastes. Ces jours-ci, j’aime mélanger des synthétiseurs analogiques purs avec des éléments numériques. Je pense que cette combinaison est en fait le reflet de la société elle-même, parce que nous ne sommes pas plus analogique, mais nous avons aussi du mal à faire face au fait d’être dans un monde virtuel, numérique. Je pense que c’est plutôt sympa quand on peut mélanger les deux mondes.
Comment est votre studio set-up a-t-il changé au fil des ans? Au fil des années, j’ai recueilli beaucoup de synthétiseurs différents. Beaucoup de ces synthétiseurs sont analogiques ont un son unique pour moi, comme le Moog modulaire, Minimoog, le MemoryMoog et les grands modulaires, comme les ARP 2500 et 2600, le VCS3 et l’AKS, pour ne parler que des premiers vieux synthétiseurs analogiques. A un moment donné dans le temps, les gens étaient des artisans et avait un savoir-faire et des compétences qu’il fallait acquérir. Cela était vrai pour les instruments acoustiques, et c’est aussi vrai pour les instruments électroniques, il y a certaines choses que vous ne pouvez pas répliquer. Même le Moog, ou une guitare électrique Fender, pourrait être reproduit aujourd’hui, mais il ne peut pas correspondre à l’appareil d’origine. Le nouveau Moog Voyager et toutes ces sortes d’instruments sont intéressants, mais ils sont apprivoisés dans un sens. Ils ont beaucoup de qualités, mais ils ne peuvent pas se mesurer au Minimoog original, qui a une sorte de texture sonore et une feeling particulier. Le pitch n’est pas régulier, vous avez beaucoup de problèmes… Cela crée des accidents, et les accidents sont toujours excitants dans la musique.
Lorsque vous avez commencé, l’idée de faire de la musique électronique était très aventureuse et expérimentale en elle-même, maintenant, il semble que beaucoup de gens qui font de la musique électronique regardent en arrière plutôt que vers l’avant. Avez-vous ce même sentiment?Je pense que cela pourrait être une très bonne description de notre société en ce moment, pas seulement la musique électronique. Nous sommes encore au début du 21e siècle pour des tas de raisons différentes, je pense que nous avons un peu peur de l’avenir, nous avons le regard dans le rétroviseur. Cela est en partie dû au fait que pendant longtemps nous cherchions en l’an 2000 une sorte de “dernière frontière”. Les gens des années 60, 70 et 80, dans les cinémas, dans la littérature, de la musique, partout, ils avaient une vision de l’avenir, et ils ont pensé qu’après 2000, tout allait changer, vous savez, que les voitures voleraient et nous irions tous sur la lune pour les vacances! Puis, l’année 2000 est passé, et rien de spécial s’est passé, donc en un sens, nous avons perdu notre vision de l’avenir. Aujourd’hui, je pense que nous devons recréer une sorte de rêve pour l’avenir. En ce sens, la musique électronique peut vous aider. Mais aujourd’hui cet état de la musique électronique est un signe des temps: les gens regardent en arrière et en ayant cette approche vintage au jour le jour dans la vie. Cela dit, je pense que techniquement, tous les instruments numériques, tels que la Animoog sur iPad, vont vraiment apporter quelque chose de nouveau. Depuis un certain temps, la qualité de l’ère numérique n’était pas là, il était encore assez rugueux. Il y avait ce monde lo-fi, non seulement pour le son, mais aussi pour des effets visuels. Il a seulement été au cours des trois ou quatre dernières années que nous sommes ré-entrer dans le monde du son haute définition, et que ça va changer beaucoup de choses en termes de genre de musique que nous produisons dans les années à venir.
Quel impact pensez-vous que ce royaume HD de la musique aura, en particulier?Les gens vont cesser d’être obsédé par l’idée de la qualité ultime, et aussi cesser d’être obsédé, comme un paradoxe, de la dégradation de cette qualité ultime. Il y aura une approche beaucoup plus intuitive par rapport au son, comme nous l’avons avec une guitare électrique ou avec un synthétiseur analogique. Lorsque vous travaillez sur un Moog ou avec une guitare électrique, à travers un ampli par exemple, vous ne pensez même pas à l’aspect technique du son, c’est plus sur l’aspect musical. Je pense que l’industrie dans son ensemble est touchée, beaucoup de producteurs sont obsédés par essayer de progresser en termes de qualité sonore, et sont plus susceptibles d’être piégés par le gadget de la semaine, plutôt que de chercher à maîtriser un instrument.BJe pense que la prochaine étape ne va pas être d’aller en arrière, mais de restaurer l’idée que lorsque vous avez vraiment envie de jouer du piano, du violon ou de la guitare correctement, il faut un certain laps de temps. La technologie a fait que beaucoup de gens pensent que vous pouvez faire un morceau décent avec les instruments que vous avez appris la semaine précédente, ce qui n’est évidemment pas vrai. Depuis un certain temps, vous avez beaucoup de musique qui n’était pas si mal, mais pas géniale, et non personnelle ou particulièrement unique. Et pour chaque bijou, vous avez eu un millier de morceaux décents qui n’avaient rien de spécial. Je pense que ça va changer: une nouvelle génération de musiciens émergeront sans complexe vis-à-vis de la technologie, et ils seront plus en phase avec l’ère du numérique.
En parlant de la prochaine génération, j’ai lu récemment un article qui dit que vous pourriez être à l’origine d’une académie de musique électronique à Londres. Pouvez-vous m’en dire plus à ce sujet? Il s’agit d’un projet que j’ai proposé et qui concerne le développement de Tech City dans l’Est de Londres, qui fait partie de cette nouvelle plate-forme numérique et multimédia qu’ils veulent se développer dans la région. L’idée serait d’avoir une école qui a donné l’occasion aux gens d’aborder la musique électronique depuis différentes directions. Vous pouvez utiliser un équipement analogique avec des magnétophones, comme l’approche adoptée dans les années 50, les instruments analogiques utilisés dans les années 70 et 80, par le biais d’une approche numérique total. J’espère que ce sera la meilleure façon de se préparer pour demain, avec une approche de la musique dématérialisée. L’autre objectif [de l’Académie] est d’avoir des compositeurs de musique électronique établis qui viennent partager leur expérience, et créer un environnement favorable et où ils puissent se servir de ce savoir dans les écoles anglaises, en utilisant les outils de l’académie. La troisième chose serait d’avoir un élément en ligne à l’académie, ce qui permettrait aux gens de travailler ensemble sur le même morceau de musique à distance. Imaginons que vous avez un démo, et les gens peuvent y ajouter en ligne, ils peuvent collaborer et participer à une œuvre collective.
Et où en sont les projets pour l’académie? C’est en discussion avec les responsables du développement de Tech City. J’ai récemment parlé avec eux du concept de l’académie et ils semblaient excités. C’est une idée qui est dans l’air pendant un bon moment. Il y a plus de vingt ans, j’ai fait un concert en plein air dans le quartier des docks à East London. Cela a été le premier grand événement culturel à se produire dans cette partie de Londres, une zone qui avait connu des moments difficiles. Après le concert, j’ai discuté de l’idée de créer une académie de musique dans la région. Donc, c’est une idée que j’ai eue, et à laquelle nous avons pensé pendant un bon moment maintenant. Évidemment, cette école ou académie devrait également impliquer la communauté locale. C’est ce qui rend de tels projets vivables, ils ont besoin d’être à la fois locaux et internationaux, et de créer des liens avec la communauté locale. C’est très important pour moi.
Sur quoi d’autres travaillez-vous en ce moment? Avez-vous en projet un autre album? Je travaille actuellement sur deux projets d’albums différents. L’un est un album solo, qui est quelque chose de très spécial qui mettra en vedette un peu de guitare, tandis que l’autre a plus de collaborations. Je suis vraiment au milieu de tout cela, c’est tout tout à fait passionnant et j’espère que ce sera fini d’ici la fin de l’été, et publié d’ici la fin de l’année.
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